Apuntes de arte

4 pintores minimalistas que debes conocer

¿Cuánto sabes sobre la pintura del s.XX?

Tras la Segunda Guerra Mundial, algunos artistas formados en el ambiente abstracto rechazaron el espíritu del expresionismo abstracto, creando obras regidas por la geometría, negando la ilusión espacial y reivindicando la bidimensionalidad del lienzo. Era el arte minimalista. En este post te acercamos a cuatro pintores minimalistas que no te puedes perder.

Los pintores minimalistas

La pintura minimalista prioriza la idea sobre la ejecución y abandona el contenido simbólico, y lo hace en beneficio de la presencia física.

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Sigue los mismos principios de neutralidad y objetividad que el resto de corrientes minimalistas. Estos son los cuatro pintores minimalistas que debes conocer:

Yayoi Kusama

Desde que se estableció en Nueva York, en 1958, Yayoi Kusama estuvo influenciada por el expresionismo abstracto, el minimalismo, el pop-art y el arte cinético. Sus pinturas monocromáticas a gran escala llamaron la atención sobre su trabajo, cuyo tema central es la neurosis obsesivo-compulsiva que sufre.

La obra de Kusama es prolífica y diversa, produciendo desde escultura hasta pintura, pasando por dibujo, cerámica, instalaciones, moda, películas, novelas y poesía. Sus creaciones tienen una estética particular, caracterizada por la repetición de lunares, que busca la sensación de infinito.

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Acumulación, Yayoi Kusama, 1952. Imagen: MOMA

Este dibujo, un campo de lunares negros en el espacio vacío, se basa en la acumulación de marcas repetidas, que para Kusama evocan una sensación de inmensidad.

Es uno de los miles de dibujos y pinturas que empezó a producir en 1951 y que la propia artista describió como el reflejo de “la gran profundidad de mi corazón interior”.

Kusama también explicó que su obra derivaba, en gran medida, de las alucinaciones auditivas y visuales que experimentaba desde los 10 años.

Frank Stella

Frank Stella está considerado como uno de los primeros representantes del minimalismo. Su rechazo de la bidimensionalidad del cuadro lo llevó a utilizar telas triangulares combinadas entre ellas.

En 1958 se instaló en Nueva York y su obra, sobre todo su serie Pinturas Negras, de estructura geométrica y alejada de la gestualidad, llamó la atención de la crítica. En sus series posteriores, Pinturas Alumnio y Pinturas Cobre, Stella empezó a usar el lienzo no rectangular. De su obra también destacan sus pinturas rayadas, de gran vivacidad cromática.

Stella también experimentó con otros medios artísticos, como el grabado, los decorados y el relieve, que incorporó a sus cuadros en los años 70, volviéndolos más barrocos. Esto le llevó a iniciar su trabajo en escultura que, a partir de 1990, tomaría dimensiones monumentales.

Ha participado en múltiples exposiciones, entre las que destaca una temprana retrospectiva de su obra, que tuvo lugar en el MoMA en 1970.

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Sin título, Frank Stella, 1966. Imagen: Museo Thyssen-Bornemisza

Cuando creó esta obra, el lenguaje abstracto de Stella estaba muy cerca de la experimentación minimalista. En el aspecto formal, el esquema es simple: cuadrados concéntricos que cubren la tela, con cambios de color en cada lado, crean un movimiento en espiral que se puede extender fuera del lienzo.

Stella usa una geometría intuitiva, pues busca que la obra se pueda captar en una mirada y llegue a emocionar. Además, la pintura acrílica muy mate permite enfatizar la presencia del cuadro como objeto, más que como ilusión.

Sol Lewitt

La obra de Sol Lewitt, centrada en la investigación geométrica de líneas y colores, se basa en el principio según el cual utilizar repetidamente una forma simple limita el campo de la obra y concentra su intensidad.

En 1967 inició la serie Wall Drawings, dibujos realizados sobre un muro, pensados para un espacio específico, y que, tras ser mostrados, debían ser borrados. Sus dibujos se simplificaron a partir de 1978, pasando a ser más monumentales.

Sus obras pueden encontrarse en diversas colecciones, como en el Solomon R. Guggenheim, en el MOMA de Nueva York, en la Tate Gallery de Londres y, es el caso de la obra que se muestra a continuación, en el hall del CaixaForum de Barcelona.

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Splat. Wall Drawing #1011, Sol Lewitt, 2001. Imagen: Caixaforum

Robert Mangold

Robert Mangold le dio una gran libertad a la forma del cuadro, buscando que el efecto pictórico saliera de los márgenes físicos del mismo.

Sus pinturas, que presentan un alto grado de realidad, sin contenido simbólico, siguen los principios de objetividad y neutralidad del minimalismo.

Aun así, sus creaciones no siguen el sistema riguroso de los minimalistas, ya que elementos como la irregularidad de los contornos, los colores y capas de pintura, la distorsión de la geometría y la diversidad de las formas, se deben a una elección personal, a menudo intuitiva.

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Curved Plane / Figure XI, Robert Mangold, 1995. Imagen: Caixaforum

Con esta obra, Mangold terminaba una serie de gran formato, realizada entre 1994 y 1995, con mitades o secciones de circulos, elipses de grafito negro y colores planos. De hecho la figura de la elipse es una constante en su obra.

Con esta serie, alcanzó una mayor complejidad expresiva, ya que, mientras que en obras anteriores la elipse era un elemento constructivo, en este caso ya no es así, sino que activa asociaciones decorativas y figurativas.

Esperamos que este artículo sobre los pintores minimalistas te haya resultado interesante y haya despertado tu curiosidad por este interesante movimiento pictórico.

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