Apuntes de arte

Arte minimalista: qué es y quiénes son sus principales artistas

¿Cuánto sabes sobre la pintura del s.XX?

El éxito del arte minimalista está relacionado con la popularidad de las tendencias nórdica e industrial, que triunfan tanto en la decoración como en la arquitectura. El pensamiento zen es una de las grandes influencias del arte minimalista, que interpreta la simplicidad como una forma de conseguir la libertad interior. En este post te contamos más sobre el arte minimalista y algunos de sus artistas destacados.

Arte minimalista: el movimiento

El arte minimalista, que surgió en la década de los sesenta en Estados Unidos, se distingue por utilizar los elementos mínimos, como las líneas, reduciendo las obras a lo fundamental. Busca la mayor expresividad con los mínimos recursos y lo hace usando la geometría, buscando las formas puras y dando un gran protagonismo a la materia.

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Los artistas minimalistas tienen una gran visión de la armonía, pues deben extraer los elementos esenciales de las cosas, utilizando las formas más simples para crear.

A grandes rasgos, el arte minimalista se caracteriza por:

  • Obras abstractas.
  • Obras simples, sin decoración innecesaria.
  • En escultura se usan cubos, pirámides y esferas.
  • En pintura las superficies son monocromáticas, sobre todo pintura blanca sobre fondo blanco o de otros colores.
  • Uso directo de los materiales (la manipulación se reduce al mínimo).
  • Predominan colores y formatos neutros.

Arte minimalista: artistas principales

Estos son algunos de los artistas precursores y destacados del arte minimalista:

Carl André

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Exposición Carl André, 8 febrero – 29 abril, 1988, Palacio de Cristal, Parque del Retiro, Madrid. Imagen: Museo Reina Sofía

La obra de Carl André, una de las principales figuras del arte minimalista, recoge los principios fundamentales de esta corriente artística, llevando al extremo la literalidad de los materiales.

Sus primeras esculturas, en 1956, fueron pequeños objetos de madera a los que André daba textura quemándolos, lijándolos y raspándolos. Más tarde, en 1959, trabajó objetos mayores bajo la inspiración de las esculturas y columnas de Brancusi. En este caso, dejaba la madera sin pulir y unía la escultura directamente al suelo.

André trabajó como guarda frenos de ferrocarril durante 4 años lo que, según él mismo, fue una de sus mayores influencias formativas, pues le permitió entrar en contacto con grandes materiales.

En 1971 llegaron sus primeras obras de madurez. Es el caso de la serie Element Series, que ya incorpora dos principios de su obra posterior, como es el hecho de no cortar ni unir las piezas.

A partir de aquí, André entendió que su obra ganaba en estabilidad y superficie si la extendía a lo largo de la tierra, en lugar de levantarla en verticalidad, lo que le llevó a trabajar en direcciones bajas y horizontales.

Robert Mangold

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8 From attic Series II, Robert Mangold, 1991. Imagen: Kunzt Gallery

El arte minimalista de Robert Mangold es conocido por los anillos, cruces, columnas y trapezoides que pinta, superponiendo varias formas en una sola obra.

Mangold, que utiliza sobre todo acrílico y lápiz sobre lienzo, adopta diversas formas arquitectónicas, reduciéndose a sus elementos básicos y usando una paleta de colores monocrática.

En sus creaciones, Robert Mangold le da una libertad inusual al cuadro, buscando que el efecto pictórico vaya más allá de los límites físicos del mismo.

A mediados de los sesenta las pinturas de Mangold carecían de contenido simbólico, mostrando solo su presencia física y siguiendo la neutralidad y objetividad de los artistas minimalistas. En esa época Mangold usaba materiales industriales y aplicaba la pintura con pistola.

Aun así, Mangold no sigue exactamente el sistema del arte minimalista, pues usa formas muy diversas, de contornos irregulares y geometrías distorsionadas. Todo ello, junto a la utilización de colores inusuales, responde a su propia elección, que a menudo se basa en la intuición.

A partir de los años setenta, Mangold dejó de lado la neutralidad y empezó a usar efectos pictóricos, dando paso a formas pictóricas más libres que incorporaban la emoción.

Agnes Martin

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Exposición Agnes Martín, 1993, Museo Reina Sofía. Imagen: Museo Reina Sofía

La obra de Agnes Martin parte de la simbología aplicada a la geometría, para evolucionar hacia la abstracción, incorporando para ello tramas reticulares, lo que ha sido interpretado como una aproximación al arte minimalista.

Martin no comparte el interés por analizar la geometría que sienten los artistas minimalistas, como tampoco rechaza la grafía personal y las texturas, como sí hace el arte minimalista.

Agnes Martin experimentó con trazos, puntos y líneas, llegando a añadir clavos y corchos redondos a los lienzos, lo que la llevó, en 1963, a definir una gramática pictórica propia, basada en la trama reticular.

En su recorrido artístico se distinguen dos etapas muy claras: la primera hasta 1967 y la segunda que se inicia en 1973, lo que implicó el abandono voluntario de la actividad artística entre 1967 y 1973.

Al reanudar su actividad artística, Martin sustituyó las líneas por bandas de color y la idea de lo impersonal es cada vez más notoria. Esto se observa claramente en que los títulos de sus obras ya no se refieren a la naturaleza y en el hecho de que trabaja mediante series, lo que muestra las posibilidades de una pintura libre de la subjetividad del artista.

Robert Ryman

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Director, Robert Ryman, 1983. Imagen: Caixa Fòrum

Robert Ryman practica una forma estricta de realismo que se aleja del radicalismo analítico propio del arte minimalista. Esto le lleva a rechazar los contenidos simbólicos en sus obras y a centrarse en todo aquello relativo a la superficie pictórica y a la pintura.

Ryman asume que la pintura es medio y contenido y explicita que el año 1965 fue el año de su madurez como pintor. A partir de entonces estructuró su trabajo en series que mostraban su voluntad experimental con la naturaleza del pigmento. Además, su exploración le llevó a ampliar los soportes y medios, llegando a usar cinta de pintor, acrílico, cobre, fibra de vidrio, esmalte, láminas de acero, tiza, plexiglás, enamelac y acrylivin.

En la serie Surface Veil, de 1970, se observa una revisión crítica de la relación entre el muro y el plano pictórico, cuando incluye la cinta adhesiva como elemento de fijación. Más adelante llega a incluir pernos en las esquinas, con lo que muestra su insistencia en hacer del sistema de sujeción una parte esencial de la obra.

Ya conoces un poco más sobre el arte minimalista y algunos de sus representantes destacados. Esperamos que este post haya despertado tu curiosidad sobre esta interesante corriente artística y que te animes a saber más sobre ella.

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