Apuntes de arte

Introducción a la abstracción geométrica

¿Cuánto sabes sobre la pintura del s.XX?

A partir del cubismo, las formas geométricas empezaron a frecuentar en las obras de arte moderno. Junto con las otras vanguardias de la época, como el suprematismo o De Stijl, estas formas geométricas no representaban ningún elemento figurativo, es decir, se convirtieron en abstractas.

En este post, te presentamos una breve introducción sobre la importancia de la abstracción geométrica en el arte del siglo XX.

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¿Qué es la abstracción geométrica? 

Como se ha mencionado antes, la abstracción geométrica se basa en el uso de figuras geométricas simples que no tienen ningún significado figurativo. La mayoría de estas obras se caracterizan por utilizar figuras unidimensionales, frontales y a veces solapadas entre sí, dentro de un espacio normalmente blanco. 

Muchos artistas del siglo XX buscaban en la abstracción geométrica un nuevo arte más puro y espiritual. Para ellos, las líneas, el color y la superficie eran elementos “concretos”, es decir, que representaban mejor las formas de la naturaleza. Estas obras suelen ser minimalistas, sin claroscuros, detalles o juegos de profundidad, y con una composición muy estructurada. Además, son también cuadros muy diferentes entre sí, dado que la abstracción geométrica permite una composición libre y creativa.

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The Swan (no. 16), Hilma af Klint, 1914-1915. Imagen: Apuntes de arte.

Historia de la abstracción geométrica 

La abstracción geométrica se puede ver mucho antes del siglo XX, como por ejemplo en el arte islámico, aunque no con tanto énfasis como a partir de dicho siglo. Surgió a partir del cubismo analítico, cuando el extenso número de cubos no permitía entrever el objeto del cuadro. Poco después, tanto en París como en otras partes del mundo, los artistas encontraron en la abstracción geométrica una nueva forma de inspiración

Este tipo de obras se pueden encontrar en las vanguardias europeas más populares, como en el constructivismo y suprematismo ruso, o en la escuela Bauhaus de Alemania. También se puede apreciar en el Art Decó y en las obras de De Stijl, capitaneado por Piet Mondrian (1872-1944), que consiguió una gran repercusión en el panorama artístico. 

Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas se exiliaron a Estados Unidos, donde influenciaron a muchos pintores. No obstante, en los años cincuenta la abstracción geométrica fue perdiendo adeptos, ya que el expresionismo abstracto alcanzó más popularidad. Más tarde, algunos pintores volvieron a las figuras geométricas, como Barnett Newman (1905-1970) o Josef Albers (1888-1976). 

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Amarillo-rojo-azul, Wassily Kandinsky, 1925. Imagen: Apuntes de arte.

Algunos cuadros de abstracción geométrica

Retablo número 1

Hilma af Klint (1862-1944) fue una de las precursoras del arte abstracto, incluso antes que Kandkinsky (1866-1944). Esta pintura, Retablo número 1, destaca por su espiritualidad y sus símbolos. En el cuadro se puede ver un juego de colores ordenado y riguroso, junto con dos grandes figuras geométricas, un triángulo y un círculo, que marcan la simetría del cuadro. Según sus propios apuntes, el amarillo y el azul simbolizan al hombre y a la mujer, mientras que los círculos representan la evolución humana

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Retablo número 1, Hilma af Klint, 1915. Imagen: Apuntes de arte

Composición suprematista (rectángulo azul sobre rayo rojo)

Composición suprematista (rectángulo azul sobre rayo rojo) es uno de los cuadros más famosos de Kazimir Malévich (1878-1935), que simboliza la creación de una razón intuitiva. En él, se puede apreciar una serie de abstracciones geométricas sobre un fondo blanco, que para el artista significaba “lo absoluto”, la realidad más espiritual”. Las figuras son de distintos colores, se sobreponen entre sí, y están dispuestas en diagonal (excepto el rectángulo negro), y aportan dinamismo a la pintura.

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Composición suprematista (rectángulo azul sobre rayo rojo), Kazimir Malévich, 1916. Imagen: Sotheby’s

Composición II sobre rojo, azul y amarillo

Las obras de Mondrian, como Composición II sobre rojo, azul y amarillo, destacan por el uso de rectángulos con colores planos, la predominancia del blanco, y las líneas gruesas que delimitan las figuras geométricas. Estas figuras son verticales u horizontales, y contienen los colores primarios, que eran símbolos de espiritualidad para el artista. Sus cuadros muestran una naturaleza pura y ordenada, ya que abogan por la representación de una gran unidad, sin individualismos. 

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Composición II sobre rojo, azul y amarillo, Piet Mondrian, 1930. Imagen: Virtosu Art Gallery.

Número 5

Los cuadros de Mark Rothko (1903-1970) son famosos por el protagonismo del color y su esoterismo. En su obra Número 5, las figuras geométricas representadas ocupan todo el espacio de la obra, además de ser irregulares y no muy bien delimitadas. La brillantez de sus colores y la composición minimalista ofrecen una clara armonía y expresividad.

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Número 5, Mark Rothko, 1949. Imagen: Virtosu Art Gallery.

Operenccia

Una obra más actual es Operenccia (1986), de Victor Vasarely (1908-1997). Se trata de una composición moderna, donde las figuras geométricas forman ilusiones ópticas. Es un claro ejemplo del movimiento Op art, que se basa en el juego de trazas en blanco y negro, las figuras geométricas, el uso de efectos ópticos, y los patrones repetidos. 

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Operenccia, Victor Vasarely, 1986. Imagen: Virtosu Art Gallery.

Esperamos que te haya gustado este post, y que hayas aprendido una nueva forma de ver el arte contemporáneo. 

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